Eran las diez de la mañana del 31 de enero de 1994, y Barcelona amanecía con un incendio. Lo provocó un descuido en las labores de mantenimiento del Liceu, y en menos de tres horas destruyó por completo el teatro. Por suerte, de la quema se salvaron piezas históricas, patrimonio de gran valor. Entre ellas, los decorados que en 1945 elaboró para Aida Josep Mestres Cabanes (1898-1990), bellísimas telas pintadas de enorme escala y un estilo hiperrealista. Asombra la ilusión de profundidad que logró el escenógrafo de Manresa mediante el uso de la perspectiva.
La antepenúltima ópera de Giuseppe Verdi es la más programada en el coliseo de la Rambla, la única que ha superado las 400 funciones desde su estreno en 1877. El compositor, en la cima de su madurez a sus 58 años, situó en el antiguo Egipto este conflicto entre el amor y el compromiso con el Estado. Creada para inaugurar el canal de Suez, vio la luz en El Cairo en 1871. La exuberante partitura refuerza las escenas colectivas y patrióticas, pero también contiene sublimes pasajes íntimos. En esta reposición, del meticuloso británico Thomas Guthrie, las coreografías incorporan pasos de la capoeira. La soprano estadounidense Angela Meade (1977), estrella del MET neoyorquino, debuta en la ciudad condal y en el papel titular. Las 14 funciones casi han agotado las entradas. Atención al bajo coreano Kwangchul Youn (1966), ovacionado en medio mundo por sus incursiones wagnerianas.
FECHA ESTRENO:
22/01/2020
DURACIÓN:
240 min.
DIRECTOR:
Thomas Guthrie, Gustavo Gimeno
REPARTO:
Mariano Buccino, Clémentine Margaine, Angela Meade, Kwangchul Youn, Yonghoon Lee
Covent Garden se había mantenido fiel a una sola producción de La Bohème desde 1974; la de John Copley. Ahora, el título más querido por el público londinense (y el más representado de su historia desde 1897, un año después de su première mundial en Turín) cambia de piel. De ello se encarga el inglés Richard Jones, veterano ganador de seis premios Olivier, nominado al Tony y Director del año para la revista Opernwelt en 1994. No esperemos revoluciones: nada de naves espaciales a lo Claus Guth, sino la buhardilla, el Café Momus y todos los lugares icónicos de ese París del XIX donde un grupo de jóvenes creadores sin blanca se beben la vida hasta que su idealismo choca contra la precariedad. Jones, siempre inteligente en la dirección de actores, es sutil en su transgresión: deja el escenario descubierto, de modo que el público ve los bastidores, los cambios de decorados, la máquina de falsa nieve subraya el artificio del teatro para quedarse con la esencia, el alma de los personajes.
El primer gran éxito de Puccini se fundamenta en un libreto humano pero de altos vuelos líricos (basado en una novela por entregas de Henri Murger) y una de las partituras más emotivas jamás escritas. Aquí la defenderán dos jóvenes sopranos: la tártara Aida Garifullina (1987), vencedora de Operalia en 2013, y la búlgara Sonya Yoncheva (1981), premiada en Aix-en-Provence en 2007 y en los ECHO Klassik Awards en 2015. Comenzó como especialista en el Barroco, pero ha encarnado a Mimì en La Scala, Múnich o Nueva York.
FECHA ESTRENO:
29/01/2020
DURACIÓN:
155 min.
DIRECTOR:
Richard Jones, Emmanuel Villaume
REPARTO:
Sonya Yoncheva, Charles Castronovo, Andrzej Filoriczyk, Aida Garifullina, Gyula Nagy, Peter Kelln
El romance más célebre de toda la literatura, la tragedia de los amantes de Verona (1594), había dado lugar a numerosas óperas fallidas. Hasta que llegó el parisino Charles Gounod (1818-1893). A las puertas de la vejez, apenas había disfrutado de un éxito, Fausto, de 1859. Ocho años más tarde, hizo justicia a Shakespeare en colaboración con los libretistas Barbier y Carré. En una Europa gobernada por Verdi y Wagner, desarrolló un estilo orgullosamente francés, un festival de melodías imaginativas y refinados pasajes orquestales.
Dado que los duetos (hasta cuatro, desde el encuentro en el balcón hasta la muerte en la cripta) construyen la estructura, es necesaria una pareja de categoría. Difícil mejorar la que reunió la Ópera de Viena en 2017. El tenor lírico ligero Juan Diego Flórez (1973), referencia del repertorio de bel canto y poco a poco en el romanticismo de Massenet o Verdi, debutó en el papel tres años antes, en su tierra, Lima. Como Julieta, la solicitadísima Aida Garifullina viene de triunfar en el Liceu gracias a su timbre cristalino, facilidad para los agudos y coloraturas e innegable presencia. Al frente de la impecable Sinfónica de Viena, Plácido Domingo. El madrileño ya ha dirigido esta ópera más veces de las que la cantó (solo una, en el MET hace medio siglo). En la capital austriaca brilló a la batuta en 2013 con la misma escenografía que ahora: la de Jürgen Flimm (1945), uno de los principales renovadores de la escena alemana, ex director del Festival de Salzburgo y de la Ópera de Berlín.
FECHA ESTRENO:
06/02/2020
DURACIÓN:
163 min.
DIRECTOR:
Plácido Domingo, Jürgen Flimm, Thomas Lang, Jasmin
REPARTO:
Aida Garifullina, Juan Diego Flórez, Dan Paul Dumitrescu, Gabriel Bermúdez, Rachel Frenkel, Wolfgang Bankl
Siempre que Bob Wilson (1941) pisa el Teatro Real, es un acontecimiento. En 2011, su minimalista Pelléas et Mélisande fascinó por su uso expresivo de la iluminación. Al año siguiente presentaría la performance Vida y muerte de Marina Abramovic. Y a finales de 2018, el polifacético autor, actor, arquitecto, escultor y diseñador texano, colaborador de Philip Glass, Arvo Pärt o Baryshnikov, volvía a Madrid para poner patas arriba Turandot. Solo era la segunda ocasión en la historia del coliseo que se veía este título, y habían transcurrido dos décadas desde la anterior.
El canto de cisme de Giacomo Puccini puso fin a la tradición clásica italiana en 1926. El maestro de Lucca (1858-1924) situó este cuento en una China legendaria, y en la arrebatadora instrumentación incorporó las disonancias de las vanguardias pero también el color exótico de Oriente y sus canciones populares. Los montajes de Turandot suelen recurrir a la grandilocuencia, pero Wilson, enemigo declarado del naturalismo y más dado a abrir debates que a dar respuestas, apostó por la abstracción. La economía de elementos resalta el peso de los individuos, en actitudes estáticas. Entre los protagonistas, muy exigidos, la potente soprano dramática sueca Irène Theorin asumió el rol de la gélida princesa. El norteamericano Gregory Kunde pone el broche a su modélica carrera tras reinventarse como Otello, Radamès y, ahora, Calaf. Su brillo y seguridad en los agudos son una garantía para el aria más famosa de la historia, Nessun dorma.
FECHA ESTRENO:
20/02/2020
DURACIÓN:
150 min.
DIRECTOR:
Nicola Luisotti
REPARTO:
Irène Theorin, Raúl Giménez, Andrea Mastroni, Gregory Kunde, Yolanda Auyanet
Nunca un teatro español había alzado un International Opera Award. En 2018, el premio a Mejor Nueva Producción fue a parar al Real por Billy Budd, de la prestigiosa directora de teatro inglesa Deborah Warner (1959). Experta en la obra de Britten, después de Otra vuelta de tuerca, La violación de Lucrecia y Muerte en Venecia elaboró una propuesta austera pero espectacular, llena de fuerza tanto en las escenas de masa como en las íntimas. Supo captar el ambiente inestable y angustioso del barco británico donde, en plena guerra contra la Francia revolucionaria, un diabólico oficial se empeña en destruir a un joven puro, en un símil bíblico con el sacrificio de Isaac.
Hermann Melville (Moby Dick) dejó inconcluso este relato. A mediados del siglo XX, Benjamin Britten (1913-1976) le dio forma de ópera junto al novelista E. M. Forster (Una habitación con vistas). El glorioso libreto -lleno de tensión sexual y de dilemas éticos sobre la disciplina y la compasión- le inspiró una partitura imponente. Solo protagonizada por hombres, su orquesta -de altura sinfónica y paleta inagotable- describe el poder del mar; el autor de Peter Grimes estaba ligado a los paisajes de la costa donde nació. Junto con Purcell y Elgar, se le considera el tótem de la música inglesa, que situó en la escena internacional tras un paréntesis de siglos. Su estilo, audaz en la armonía pero melódico y reacio a abandonar la tonalidad, resultó asimilable para el gran público. Fue el único posterior a 1945 que logró consolidarse en el repertorio.
FECHA ESTRENO:
05/03/2020
DURACIÓN:
174 min.
DIRECTOR:
Deborah Warner, Michael Levine, Ivor Bolton
REPARTO:
Jacques Imbrailo, Toby Spence, Brindley Sherratt, Thomas Oliemans
En 2020 celebramos el 250 aniversario del nacimiento de Ludwig Van Beethoven (1770-1827). A los lanzamientos discográficos, certámenes y exposiciones en Bonn o Viena se suman los ciclos de sus sinfonías o sus sonatas para piano. Covent Garden juega sobre seguro y convoca al tenor más querido del planeta, Jonas Kaufmann, para la única ópera que compuso el alemán: Fidelio. No menos garantías ofrece la batuta de Antonio Pappano, tan apasionada como perfeccionista. El riesgo -y no poco- queda reservado para la producción escénica: el transgresor Tobias Kratzer (1980) puso patas arriba nada menos que el último Festival de Bayreuth, que inauguró con un Tannhäuser con falsa apariencia cómica. Su visión, irónica e ingeniosa, desacralizó a Wagner en su templo. Debuta en la Royal Opera tras haber entusiasmado hace unos meses en Lyon con un Guillaume Tell con guiños a La naranja mecánica.
Su defensa de la libertad encaja con el argumento y la música de Fidelio, donde una valiente mujer se infiltra en una cárcel para rescatar a su marido, preso político. En 1814, Beethoven elevó el singspiel (género que combina el canto y la conversación hablada) a sus cotas más altas, con números imborrables como ese cuarteto celestial o el coro de los reclusos, manifiesto universal de hermandad y justicia. Se adelantó décadas al drama musical con una orquesta para la que duplicó el número de integrantes. Esto posibilitó una mayor variedad de sonoridades y de intensidad (como se aprecia en las magníficas oberturas) y originó las voces dramáticas.
FECHA ESTRENO:
17/03/2020
DURACIÓN:
150 min.
DIRECTOR:
Antonio Pappano, Tobias Kratzer
REPARTO:
Jonas Kaufmann, Lise Davidsen, Georg Zeppenfeld, Simon Neal
